Nicht offensichtliche Gründe, warum wir manche Filme lieben und andere nur schwer tolerieren können

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-17 03:51

Feinheiten der Bearbeitung, Kameratechniken und andere Tricks, mit denen Sie die Atmosphäre spüren können.

Wenn man über Kino spricht, spricht man meistens über die Handlung und die Schauspielerei. Natürlich sind dies wichtige Bestandteile eines jeden Films. Aber es kommt vor, dass man den Blick nicht von einem Bild lassen kann, obwohl sich die Handlung sehr langsam entwickelt und eine andere Geschichte trotz der vielen Ereignisse schnell langweilig wird. Einige Autoren schaffen es, den Zuschauer an die fantastischsten Wendungen glauben zu lassen, während andere sogar reale Situationen wie Spielzeug darstellen. Und es ist einfach schön, einige Kassetten anzusehen, während andere schwierig sind.

Die Sache ist, dass es neben der Handlung und den Schauspielern viele interessante Techniken gibt, die Regisseure verwenden, um dem Zuschauer zu helfen, die Action zu spüren und das Geschehen auf der Leinwand zu genießen. Diese Feinheiten werden vielleicht nicht einmal bemerkt, aber sie beeinflussen die Wahrnehmung des Bildes dennoch stark.

Farbspektrum

Als erstes fällt auf, dass die Farben in den Filmen oft nicht mit denen im wirklichen Leben übereinstimmen. Es kann ganz offensichtlich sein (z. B. wenn das Bild schwarzweiß ist) oder Sie bemerken es nicht sofort. Aber das ist kein Zufall.

Atmosphäre schaffen

Mit Hilfe von Farben können Sie die Atmosphäre des Geschehens besser vermitteln, eine Stimmung beim Betrachter erzeugen und sogar die Gefühle der Charaktere selbst zeigen.

Nehmen Sie das beliebte X-Men-Franchise als Beispiel. In der Hauptserie von Filmen ähnelt das helle und reiche Bild Comics. Und im Gegensatz zu ihnen in Noir "Logan", wo sie über das Alter und die Müdigkeit des Helden sprechen, werden blassere Töne gewählt.

Aufnahme aus dem Film "X-Men: Apocalypse"

Aufnahme aus dem Film "Logan"

Im Film "Mad Max: Fury Road" spielt sich der Großteil der Action in einer heißen Wüstengegend ab. Es ist logisch, dass das Bild in Gelb-Orange-Tönen aufgenommen wurde, die einen die sengende Sonne und Trockenheit spüren lassen.

Aus Gründen der Übersichtlichkeit können Sie einen Rahmen nehmen und das Farbschema ändern. Es wird sofort scheinen, dass es kälter geworden ist.

Aufnahme aus dem Film "Mad Max: Fury Road"

Der gleiche Rahmen, aber in kalten Farben

Um ein kontrastreiches Bild zu schaffen, werden moderne Blockbuster und allgemein das Massenkino mehr blau und orange gemacht.

Aber der berühmte Wes Anderson liebt eine sanfte rosa Farbpalette. Es gibt dem Zuschauer das Gefühl eines alten romantischen Films. Und alles, was passiert, wird ruhiger und leichter wahrgenommen.

Wenn sie eine Atmosphäre der Zukunft und Fantasie schaffen wollen, greifen sie oft auch auf den blauen Bereich zurück. Und sie lieben vor allem Neonfarben, die im Kopf des Betrachters fest mit Cyberpunk und Technik verbunden sind.

Unnötig zu erwähnen, dass Horrorfilmer dunkle Farben bevorzugen. Dafür gibt es mehrere Gründe. Natürlich ist dies zum Teil eine Möglichkeit, die Atmosphäre zu pumpen. Viele Menschen haben bereits Angst vor der Dunkelheit, und in Horrorfilmen verstecken sich auch Monster darin.

Darüber hinaus können Sie mit einem dunklen Bild die Unvollkommenheiten von Grafiken oder Make-up leicht verbergen und bei der Produktion sparen. Es besteht zwar eine Gefahr: Wenn Sie den Rahmen zu stark abdunkeln, sieht der Betrachter möglicherweise einfach nicht, was auf dem Bildschirm passiert, insbesondere in einem schlechten Kino oder auf einem alten Fernseher. Dies war beispielsweise im Film Slenderman von 2018 der Fall.

Obwohl einige Originalregisseure im Gegensatz dazu spielen können. Ari Astaire beispielsweise zeigte in "Solstice" die typische Atmosphäre eines Horrorfilms: Die Helden finden sich in einem abgelegenen Dorf wieder, in dem schreckliche Dinge passieren.

Gleichzeitig ist das Bild jedoch sehr hell, es gibt fast keine dunklen Szenen und die Kleidung der Helden ist schneeweiß. Und das macht es noch beängstigender, denn man kann sich vor dem Grauen nirgendwo verstecken.

Trennen von Plotteilen

Ein Film kann mehrere verschiedene Farbfilter haben. Sie werden verwendet, um Handlungsstränge klarer zu trennen. Und mit dem richtigen Talent hilft dieser Ansatz, das Bild aufzuhellen.

Die Matrix ist ein großartiges Beispiel. Das Logo dieses Bandes wurde mit grünen Codesymbolen erstellt, die das Programm bezeichnen, in dem die Menschen leben. Deshalb wurde alles, was in der virtuellen Welt passiert, durch einen grünlichen Filter gefilmt. Und reale Ereignisse werden blau dargestellt.

Eine Szene aus dem Film "The Matrix", Action in der virtuellen Welt

Eine Szene aus dem Film "The Matrix", Action im wahren Leben

Und erst ganz am Ende des dritten Teils, wenn Mensch und Maschine ein Friedensabkommen geschlossen haben, erscheinen gleichzeitig reine blaue und grüne Farben im Rahmen.

In Christopher Nolans Inception bewegen sich die Charaktere von der realen Welt in den Schlaf, dann in den Schlaf und so weiter. Um die "Schichten" klarer zu trennen, wählte der Regisseur für jede ein eigenes Farbschema.

Aufnahme aus dem Film "Inception", der erste Traum

Aufnahme aus dem Film "Inception", zweiter Traum

Aufnahme aus dem Film "Inception", dritter Traum

Auf der ersten Schlafebene wird alles in einer blauen Palette gefilmt, die zweite ist gelb, die dritte ist weiß. Und erst im letzten Traum kommen alle Schattierungen wieder zusammen, wie in der realen Welt.

In Blade Runner 2049 von Denis Villeneuve spiegelten unterschiedliche Farben sowohl den Ort als auch den inneren Zustand des Protagonisten wider.

Aufnahme aus dem Film "Blade Runner 2049"

Aufnahme aus dem Film "Blade Runner 2049"

Aufnahme aus dem Film "Blade Runner 2049"

Aufnahme aus dem Film "Blade Runner 2049"

Alles beginnt damit, dass Ryan Goslings Charakter im Nebel wandert, dann geht er durch eine heiße Orangenwüste, Neonfuturismus und eine Nachtflut. Und die Geschichte endet auf einem schneeweißen Hintergrund, der Ruhe und Reinigung widerspiegelt.

Farbverweigerung

Früher waren alle Filme schwarz-weiß. Ganz einfach, weil sie nicht anders zu fotografieren wussten und es möglich war, die Rahmen nur von Hand zu kolorieren. Dann kamen Farbfilme und die Kinematografie wurde viel realistischer.

Gleichzeitig gehört die Schwarz-Weiß-Fotografie aber nicht komplett der Vergangenheit an. Sie werden immer noch für künstlerische Zwecke verwendet. Zum Beispiel, um verschiedene Welten oder Handlungsstränge abzugrenzen.

In "Der Zauberer von Oz" im Jahr 1939 erscheint also Farbe, als Dolly die Feenwelt betritt.

Standbild aus dem Film "Der Zauberer von Oz", gewöhnliche Welt

Standbild aus dem Film "Der Zauberer von Oz", Märchenland

In "Stalker" von Andrei Tarkovsky fehlen Farben auch im normalen Leben der Helden. Und wenn die Charaktere in die mystische "Zone" geraten, wird die Welt hell - hier offenbaren sich die Menschen wirklich.

Oder trotzdem zeigte Christopher Nolan in dem Band "Remember" einen Teil der Aktion in direkter Reihenfolge und den zweiten - im Gegenteil. Daher wird die Hälfte des Films in Farbe und die andere in Schwarzweiß gedreht.

Still aus dem Film "Remember", Direktbestellung

Standbild aus dem Film "Remember", umgekehrte Reihenfolge

Darüber hinaus können Sie mit einem Schwarzweißbild bestimmte Details lebendiger hervorheben, indem Sie ihnen einfach Farbe hinzufügen. Zum ersten Mal tat dies Sergei Eisenstein, als er die Flagge 1925 im Schlachtschiff Potemkin manuell bemalte.

Anschließend wurde diese Technik in ganz anderen Genres verwendet. In Steven Spielbergs Schindlers Liste wird der Auftritt eines Mädchens im roten Mantel zu einem der emotionalsten Momente.

Und auch im Comic-Film Sin City wird dieser Ansatz immer wieder verwendet, mit Schwerpunkt auf rotem Lippenstift, leuchtenden Augen oder Blut.

Rahmenkonstruktion

Drittelregel

Eines der Grundprinzipien des Films und der Fotografie. Dies ist so etwas wie eine vereinfachte Regel des "Goldenen Schnitts".

Ganz einfach: Bei der Aufnahme wird der Bildschirm vertikal und horizontal in drei Teile geteilt. Die wichtigsten Elemente für die Handlung sollten sich auf diesen Linien sowie an deren Schnittpunkten befinden. Dies erleichtert es dem Betrachter, sich auf die gewünschten Punkte zu konzentrieren.

In ein Quadrat stellen

Wenn Sie den Rahmen bedingt in zwei Hälften oder in vier gleiche Teile teilen, können Sie dem Betrachter ohne Worte verständlich machen, welchen Platz die Figur in der Geschichte einnimmt.

Diese Technik ist am deutlichsten im Film "Drive" von Nicholas Winding Refn zu sehen. Wenn zum Beispiel das Gesicht der Hauptfigur in der oberen linken Ecke angezeigt wird und im nächsten Bild eine andere Figur an derselben Stelle erscheint, dann ist dies ein Hinweis darauf, dass die Charaktere Rivalen sein werden.

Darüber hinaus kann der gleiche Refn zwei Geschichten parallel erzählen: im oberen und unteren Teil des Bildschirms oder in der linken und rechten Hälfte. Der Betrachter wird diese Bewegung vielleicht nicht bemerken, aber dennoch wird die Wahrnehmung der Charaktere vollständiger. Außerdem ist es einfach schön.

Symmetrie

Eine andere psychologische und ästhetische Technik zugleich. Oft werden Aufnahmen, bei denen die linke Hälfte die rechte widerspiegelt, nur der Schönheit halber gemacht.

Aber manchmal vermitteln sie die Opposition der Charaktere. Und wenn der Held in den Spiegel schaut, zeigt er seine dunkle Seite oder den Unterschied zwischen Traum und Realität. Kurz gesagt, jede Allegorie, die man sich zum Nachdenken vorstellen kann.

Standbild aus dem Film "2001: Odyssee im Weltraum"

Aufnahme aus dem Film "The Shining"

Ein Standbild aus dem Film "Joker".

Niederländische Ecke

Um die Instabilität des Protagonisten, seine Zweifel an etwas oder Gedächtnisprobleme zu zeigen, verwenden sie eine sehr visuelle Technik. "Niederländischer Winkel" bedeutet, dass die Kamera nicht gerade, sondern geneigt aufnimmt. Viele Beispiele für diesen Ansatz finden sich in den Filmen von Danny Boyle.

Es ist ungewöhnlich, dass der Betrachter das Bild aus einem Winkel betrachtet, damit er den unangenehmen Zustand der Figur besser wahrnimmt.

Allerdings ist es hier wichtig, die Maßnahme zu beachten. Zum Beispiel wurde der desaströse Film "Battlefield: Earth" komplett schräg gedreht. Aber in anderthalb Stunden wird der Zuschauer höchstwahrscheinlich nur Halsschmerzen haben.

Schießen von unten und von oben

Eine weitere der einfachen, aber effektiven Techniken, mit denen Sie das Selbstgefühl der Helden vermitteln können. So können Sie beispielsweise zeigen, wer Herr der Situation ist. Und dann fallen mir sofort die Bänder von Quentin Tarantino ein, auf denen die Figuren in den Kofferraum blicken.

Aufnahme aus dem Film "From Dusk Till Dawn"

Aufnahme aus dem Film "Reservoir Dogs"

Und wenn Sie von oben schießen, haben Sie das Gefühl, dass sich der Held unsicher fühlt. So lustig spielten sie es in der berühmten Szene aus dem Film "What Men Talk About", in der die Figur von Kamil Larin wie ein Kind beim Türsteher in einem teuren Restaurant Entschuldigungen vorbringt:

Dialog und Bewegung

Hintergrundaktion

Eine Technik, die am häufigsten in Comedy oder Horror verwendet wird. Im Vordergrund passiert nichts Interessantes. Und das Wichtigste entfaltet sich vor dem Hintergrund, der abgedunkelt oder unscharf sein kann.

Zum Beispiel geht der Protagonist des Films "Zombie Called Sean" in den Laden. Für ihn ist alles sehr banal. Und im Hintergrund gibt es eine echte Apokalypse:

Je nach Genre und Präsentation kann dies entweder einen sehr lustigen Effekt oder eine Spannung erzeugen - so oft sind die Hauptschreier in Horrorfilmen versteckt.

Gespräche in Bewegung

Die häufigste Art von Dialog in Filmen ist, dass die Charaktere sitzen und sich unterhalten. In diesem Fall wechselt die Kamera traditionell zwischen Gesichtern.

Wenn die Szene jedoch zu lange dauert, wird der Betrachter die ständige Wiederholung der gleichen Blickwinkel satt. Daher ergänzen oder verändern gute Regisseure das Setting solcher Szenen.

In Quentin Tarantinos Filmen sprechen die Charaktere also fast ständig. Doch der Meister lässt keine Langeweile aufkommen, denn Dialoge können während der Fahrt stattfinden. Durch den ständigen Wechsel des Hintergrunds wirkt die Aktion nicht eintönig.

Und selbst wenn sich die Charaktere im selben Raum befinden, schaltet die Kamera nicht einfach so um. Sie kann sich um sie herum bewegen, wodurch der Effekt der Präsenz und sogar der Teilnahme am Gespräch entsteht. Fast alle Charaktere sind ohne unnötige Bearbeitung zu sehen.

Nicholas Winding Refn schafft es, das bereits erwähnte Spiel mit Farbe und Reflexion in einfachen Gesprächen einzusetzen. In Drive wirkt der erste Dialog der Protagonisten sehr einfach.

Gleichzeitig ist Ryan Goslings Charakter jedoch immer auf blauem Hintergrund (diese Farbgebung begleitet ihn durch den gesamten Film). Und die Heldin Carey Mulligan steht an den orangefarbenen Wänden. Und das zeigt, dass sie etwas trennt, obwohl sie sich nahe sind.

Die 180-Grad-Regel

Beim Filmen gibt es noch einen wichtigen Punkt. Wenn Sie die Kamera beim Ändern des Blickwinkels um mehr als 180 Grad bewegen, wird der Betrachter verwirrt. Wenn der Held beispielsweise rennt, scheint er sich umgedreht zu haben und sich in die entgegengesetzte Richtung zu bewegen.

Und das ist auch bei Dialogen genauso wichtig. Um nicht den Eindruck zu erwecken, dass sich alle im Bild abrupt bewegt haben, wählen Operator und Regisseur eine bestimmte Linie, über die die Kamera nicht hinausgehen soll.

Es ist merkwürdig, dass ein absichtlicher Verstoß gegen diese Regel nur verwendet werden kann, um den Betrachter zu verwirren, um die Verwirrung des Helden zu zeigen. Und mit entsprechender Fantasie kreieren die Autoren ungewöhnlichere Szenen. Zum Beispiel Gollums Gespräch mit sich selbst. Der Charakter wird einfach von verschiedenen Seiten gezeigt, aber dadurch entsteht der Effekt, dass es zwei Sprecher gibt und diese im Dialog stehen.

Installationsfunktionen

Durch die Bearbeitung können Sie die Action des Films dynamischer gestalten, die langweiligen Momente des Lebens "überspringen" und es Ihnen ermöglichen, das Geschehen aus verschiedenen Blickwinkeln zu betrachten. Seine einfachste Form ist erzählerisch. Das heißt, die Ereignisse im Rahmen finden nacheinander statt. Dies wurde am deutlichsten in Der Mann vom Boulevard des Capucines erklärt.

Aber Sie können die Ereignisse des Films auf andere Weise zeigen, und dafür verwenden sie unterschiedliche Techniken.

Parallelinstallation

Im Gegensatz zum sequentiellen Geschichtenerzählen möchten Autoren manchmal, dass das Publikum sieht, was gleichzeitig an verschiedenen Orten passiert. Und dann wenden sich Regisseure dem parallelen Schnitt zu.

Das macht die Handlung ereignisreicher. Aber Sie müssen vorsichtig sein. Denn wenn man die zeitgleich auftretenden Szenen nacheinander zeigt, kann man den Eindruck haben, dass jede davon länger dauert.

Ein markantes Beispiel für erfolglose Parallelbearbeitung ist "Furious-6". Die Helden versuchen mit einem Flugzeug zu fliehen, das über die Landebahn fährt, Autos jagen sie und im Liner kommt es zu einem Kampf.

Die Autoren demonstrieren so viele Ereignisse auf einmal, dass das Flugzeug auf dem Bildschirm für mindestens 15 Minuten zu beschleunigen scheint. Unnötig zu sagen, dass dies den ganzen Realismus der Situation tötet?

Christopher Nolan hingegen gilt weithin als Meister des Parallelschnitts. Der Regisseur verwendet es in vielen seiner Werke, aber The Beginning ist das beste Beispiel. Ereignisse auf verschiedenen Schlafniveaus treten gleichzeitig und mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten auf (im tieferen Schlaf vergeht die Zeit langsamer).

Hier kommt die bereits erwähnte Farbtrennung zur Handlung hinzu und der Betrachter wird nicht durch das Geschehene verwirrt, sondern erkennt die ganze Globalität des Geschehens.

Interessant ist übrigens, dass Nolan im Film "Dünkirchen" noch witziger mit dieser Technik umgeht. Es zeigt parallel das Geschehen am Boden, im Wasser und in der Luft. Tatsächlich ist die Chronologie völlig anders und alles läuft erst im Finale zusammen.

Rückblenden und Vorblitze

Manchmal betten die Autoren ihre Erinnerungen aus der Vergangenheit – Rückblenden – in die lineare Geschichte der Helden ein. Dies können sehr kurze Blitze von wenigen Sekunden oder ganze Handlungsstränge sein.

Ein großer Fan solcher Momente ist Jean-Marc Vallee. So bringt er Spannung in die scheinbar ruhigen Szenen. Oder er macht deutlich, dass die Figur jemanden täuscht: Er sagt eins, aber in seinen Erinnerungen taucht etwas ganz anderes auf.

Es ist nicht schwer zu erraten, dass Flashforwards dieselben Geschichten sind, aber aus der Zukunft. Sie werden seltener verwendet, normalerweise in Science-Fiction oder mystischen Geschichten. Auf einer solchen Technik bauten sie sogar eine ganze Serie, in der jeder Mensch während einer bestimmten Sonnenfinsternis einen Moment seiner Zukunft sah.

Und im weiteren Verlauf der Handlung versuchen alle, die Gründe für das Geschehene herauszufinden und die Bedeutung ihrer Visionen zu verstehen. Die Serie wurde so benannt: Flashforward (in russischer Übersetzung - "Erinnere dich daran, was passieren wird"). Es stimmt, er dauerte nur eine Saison.

Sprungschnitt

Diese Technik gilt bereits für die lineare Bearbeitung. Es bedeutet einen scharfen Übergang zwischen den Frames. Sie nutzen es für ganz andere Zwecke.

In Frank Oz' Little Shop of Horrors hilft eine solche Montage, den langen und langweiligen Lauf der Zeit zu zeigen.

Aber Lars von Trier, der in seinen Werken auch oft den Jump-Cut verwendet, transportiert auf diese Weise den emotionalen Stress und die psychische Instabilität der Figuren. Solche Aufnahmen machen das Bild "nervöser". Im "Idiots"-Band ist dies sehr passend:

Bearbeitung in Form und Ton

Damit die im Film gezeigten unterschiedlichen Ereignisse als Fortsetzung des anderen wahrgenommen werden, verwenden die Autoren oft visuelle Zufälle. Das heißt, die Umrisse eines Objekts in einem Rahmen werden im nächsten wiederholt. Und manchmal kann es sehr witzig aussehen.

Ebenso können Sie den Betrachter mit Ton "einhängen". Der Schrei geht mit dem Pfeifen des Dampfers weiter, und das industrielle Rumpeln wird durch Musik im gleichen Tempo ersetzt. Oder das Zischen einer beschädigten Pfeife verwandelt sich in ein Knistern von gebratenem Fleisch.

Darüber hinaus kann der Ton der Anzeige auf dem Bildschirm etwas voraus sein oder hinterherhinken. Dies geschieht, um die Szenen stärker miteinander zu verbinden. Das heißt, der Zuschauer hört noch Sprache und Rascheln aus dem vorherigen Frame, aber die Aktion hat sich bereits geändert. Oder umgekehrt.

Fehlende Installation

Dies ist ein mutiger Schritt: Regisseure drehen lange Szenen ohne jegliche Bearbeitung oder verbergen sie auf verschiedene Weise.

Dies macht das Geschehen auf dem Bildschirm realistischer und gibt dem Zuschauer ein Gefühl für das Tempo der Geschichte selbst. Aber natürlich erfordert dieser Ansatz viel mehr Proben und Investitionen. Schließlich können Sie während der Verarbeitung erfolglose Kleinigkeiten ausschneiden.

So zeigte Joe Wright im Film "Atonement" eine fünfminütige Szene mit der Evakuierung von Truppen aus Dünkirchen während des Zweiten Weltkriegs. 1.300 Menschen waren an der Massenszene beteiligt, während sich im Bild die Ausrüstung bewegte und im Hintergrund Explosionen ereigneten. Es ist dieser Ansatz, der all die Düsterkeit und das Chaos des Geschehens vermittelt.

Moderne Technologien ermöglichen eine genauere Handhabung der Installation. Und es half Alejandro Gonzalez Iñarrit, Birdman zu erschießen. Darin merkt man nicht einmal sofort, dass die ganze Aktion in einem durchgehenden Bild gezeigt wird.

Tatsächlich ist die Montage da, aber versteckt. Spleiße entstehen, wenn die Kamera ein dunkles Element durchdringt.

Und die "Russische Arche" von Alexander Sokurov sieht noch stärker aus. Die Aktion findet in der Eremitage statt, und der Regisseur bekam einen Tag Zeit für die Dreharbeiten. Daher beschloss er, das Bild ohne Kleben zu schießen.

Es dauerte sieben Monate Proben mit 800 Statisten. Als Ergebnis drehten sie ab der dritten Einstellung einen ganzen Film mit einer Dauer von 1 Stunde und 27 Minuten.

Tatsächlich gibt es noch viel mehr solcher Feinheiten. Aber viele von ihnen erfordern bereits fundierte Kenntnisse in Regie und Kinematographie. Dies sind nur einfache Beispiele, die in vielen Filmen zu sehen sind. Und beim Betrachten des nächsten Bildes fällt Ihnen sicherlich die "Holländische Ecke" oder ein langer Rahmen ohne Bearbeitung auf. Aber dies wird die Magie des Kinos nicht zerstören, sondern im Gegenteil das Sehen noch interessanter machen.