Warum Federico Fellinis Filme so eingängig sind

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-17 03:51

Sie werden über die "Nächte von Cabiria" weinen, den reifen Zynismus von "La Dolce Vita" schätzen und kopfüber in die Extravaganz von "Rom" eintauchen.

Der große italienische Regisseur Federico Fellini, Gewinner von fünf Oscars (der letzte für seinen Beitrag zum Kino), hat das Denken des Publikums und vieler anderer Regisseure radikal verändert. Auf den ersten Blick sind seine Bilder wild verwirrend, komplex und daher unverständlich. Aber wenn man es sich ansieht, ist Fellinis filmische Sprache sehr demokratisch, und er selbst ist ein wahrer Folk-Schöpfer.

Was war der kreative Weg von Federico Fellini

Berufseinstieg und Neorealismus

Federico Fellini begann seine Karriere als Kameramann 1945, als er das Drehbuch zu Roberto Rossellinis Film "Rom - eine offene Stadt" schrieb. Dieses Bild legte den Grundstein für die demokratischste Richtung im Weltkino - den italienischen Neorealismus und gilt heute als unbestreitbarer Klassiker. Die Hauptmerkmale des Neorealismus waren soziale Konnotationen und ein Fokus auf normale Menschen. Um in solchen Bändern zusammen mit den Stars mitzuspielen, wurden normalerweise nicht professionelle Schauspieler genannt.

Zwar ging Fellini im Gegensatz zu den Hauptvertretern des Neorealismus - Vittorio de Sica und Roberto Rossellini - immer noch seinen eigenen Weg. Auch das Thema „Kleiner Mann“und soziale Fragen lagen ihm nahe. Doch schon in den allerersten Filmen von Federico lässt sich eine kreative Originalität und originelle Philosophie nachweisen. Und die Motive der Extravaganz und des Karnevals, die später zu seinem Markenzeichen wurden, sind auch in den frühen Werken des Meisters sichtbar - Variety Show Lights (1950), The White Sheikh (1952) und Mama's Sons (1953). Obwohl Fellini in diesen Tonbändern nur nach seinem spezifischen Stil tastete.

Schon die nächsten Filme - "The Road" (1954) und "Nights of Cabiria" (1957) - wurden sentimentaler und weniger realistisch. Sie glichen einem seltsamen, beunruhigenden Traum. Danach gab der Regisseur den Neorealismus endgültig zugunsten ungewöhnlicher Werke auf, in denen die Realität auf skurrile Weise mit verschiedenen Arten von Wundern kombiniert wurde.

Aufbruch in den Surrealismus und die Blüte der Kreativität

Ein neues Kapitel in der Karriere eines Regisseurs wird manchmal als rosiger oder magischer Realismus bezeichnet. Filme dieser Zeit sind viel fantasievoller als zuvor, zeichnen sich aber gleichzeitig durch Poesie und Leichtigkeit aus. Und dennoch interessiert Fellini neben den Motiven von Spektakel und Karneval das Thema der Selbstfindung.

Die wichtigsten Filme dieser Etappe - "Sweet Life" (1960) und "8 and a Half" (1963) - sind als explosive Mischung aus echten Erinnerungen, Nostalgie und Fantasie aufgebaut. Es sind diese beiden Filme, die als Höhepunkt der eigenen Kreativität des Regisseurs und als Standard der Kinematographie im Allgemeinen gelten. Auch der Einfluss der Theorie der Psychoanalyse ist in ihnen stark spürbar. Schließlich hat Fellini seine Träume sehr aufmerksam verfolgt und viele davon aufgeschrieben, und im psychoanalytischen Konzept wird der Traumdeutung eine große Bedeutung beigemessen.

Barocke Züge und zunehmend grotesker Stil

In dieser Phase weicht der kreative Weg des Meisters immer mehr von den Erwartungen des Publikums ab. Spektakuläre begann schließlich die Handlung zu dominieren, und die Filme selbst wurden gut, völlig psychedelisch.

In den Tonbändern "Satyricon" (1969), "Rom" (1972), "Amarcord" (1973) bezieht sich Federico Fellini auf die antike Geschichte und sogar auf seine eigenen Kindheitserinnerungen. Gleichzeitig sind die Filme aber so detailreich, dass Andrei Tarkovsky die Werke dieser Zeit Tarkovsky über Fellini nannte: „Je subjektiver das Weltbild, desto tiefer dringt der Künstler in die objektive Realität ein“/ Art of cinema der Fellini-Barock.

Die Apotheose war der Film "Casanova" (1976). Er wurde von Kritikern kühl aufgenommen und selbst von den treuesten Fans des Regisseurs nicht geschätzt. Und Fellini selbst war nicht stolz auf diese Arbeit. Mit großer Zurückhaltung nahm er die Produktion auf und las die umfangreichen Memoiren von Giacomo Casanova, nachdem er einen Drehvertrag unterschrieben hatte.

Der Niedergang des kreativen Weges und die Selbstironie

Ab den 1980er Jahren begann der Meister schließlich, sich selbst zu parodieren und seine eigenen frühen Funde zu überdenken. "City of Women" (1980) beispielsweise ist tatsächlich eine Szene des Harems aus "8 and a Half", die auf die Größe eines ganzen Films angewachsen ist.

Im Gleichnis "Und das Schiff segelt …" (1983) folgt Fellini streng seinen bevorzugten künstlerischen Prinzipien (dazu weiter unten). Aber auch die späteren Filme des Regisseurs - "Ginger and Fred" (1986), "Interview" (1987) und "Voice of the Moon" (1990) - eint das Thema der kreativen Müdigkeit und der Sehnsucht nach der Vergangenheit. Für die erste Bekanntschaft mit Fellini ist es besser, sie nicht zu wählen. Dies ist schließlich der Fall, wenn es besser ist, die Filme des Regisseurs streng der Reihe nach anzusehen.

Wie sich der Regiestil von Federico Fellini auszeichnet

Beständige Bilder und Archetypen

Durch alle Arbeiten Fellinis ziehen sich die gleichen Bilder wie ein roter Faden. Selten kommt sein Film ohne Zirkusatmosphäre aus. Letztere sind ohne Clowns nicht vorstellbar, die den Regisseur gleichzeitig verstören und entzücken.

Federico Fellini-Direktor. Aus dem Buch "I, Fellini" von Charlotte Chandler

Als ich sieben Jahre alt war, nahmen mich meine Eltern zum ersten Mal mit in den Zirkus. Ich war schockiert von den Clowns - ich wusste nicht, wer sie waren, aber ich hatte das seltsame Gefühl, dass ich hier erwartet wurde. Seitdem habe ich eine unzertrennliche Verbindung zum Zirkus aufgebaut und viele Jahre davon geträumt.

Der Filmemacher kehrte so oft auf dieses Thema zurück, dass ein ähnlicher Stil nun untrennbar mit seinem Namen verbunden ist. Kritiker nennen diese Ästhetik Felliniesk, also Fellinik.

Ein weiterer wichtiger Teil von Fellinis Ästhetik ist das Image des Strandes. Der Regisseur wurde in der Küstenstadt Rimini geboren und verbrachte viel Zeit am Meer. Daher spielen sich in seinen Filmen oft schicksalhafte Ereignisse für die Helden (anschauliche Beispiele - "8 and a half", "Sweet Life" und "The Road") am Ufer ab.

Fellini begann als Karikaturist und beherrschte die Darstellung von Bildern am Rande des Grotesken. Er wollte, dass die Charaktere, sobald sie auf der Leinwand erschienen, dem Publikum sofort in Erinnerung bleiben. Daher machte er sich Sorgen um ungewöhnliche Menschen - Randale, Prostituierte, Betrüger und Schurken.

In seinen Werken findet sich oft ein und dasselbe Bild – eine sehr große, stattliche Dame. Sie verkörpert sowohl das weibliche Prinzip, die mütterliche Fürsorge als auch die tierische Leidenschaft. Wie alle seine Lieblingsfiguren hat sich der Regisseur als Kind eine solche Heldin ausgedacht.

Unkonventionelles Drama

Oft werden Fellinis Filme durch das Fehlen einer klaren Erzählstruktur abgeschreckt. Es scheint, dass es in seinen Gemälden um nichts geht: Es gibt kein klares Skript in ihnen und die Handlung, selbst wenn es eine gibt, ist nichtlinear.

Aber genau diese Eigenschaft macht die Bändchen des Meisters so unverwechselbar. Wer vor allem Wert auf schneidig verdrehte Intrigen und schicke Dialoge legt, dem dürfte Fellinis Stil nicht nahe kommen. Aber der Italiener wusste perfekt, wie er verschiedene Gefühlsnuancen seiner Helden vermitteln konnte.

Ständige Muse

Kein einziger Fellini-Film könnte ohne seine geliebte Frau Juliet Mazina auskommen. Auch wenn die Schauspielerin nicht selbst agierte, war sie fast immer am Set präsent. In dem Film "The Road" hat Mazina eines der besten Bilder des Weltkinos geschaffen, und der Name ihrer Heldin Jelsomina ist zu einem bekannten Namen geworden.

Der Künstler konnte auf der Leinwand buchstäblich die ganze Bandbreite menschlicher Emotionen vermitteln. Sie könnte ebenso spontan, romantisch, dramatisch sein, aber häufiger - lustig und schmerzlich berührend.

Filmisches Alter Ego

Bei den Dreharbeiten zu La Dolce Vita konnte Fellini zunächst keinen Hauptdarsteller finden. Er brauchte den vielseitigsten Typ, damit sich das Publikum leicht an die Stelle des Helden versetzen konnte.

Ein alter Bekannter von Juliet Mazina, Marcello Mastroianni, war ideal. Anschließend wurde seine Zusammenarbeit mit Fellini zu einer engen schöpferischen Vereinigung und dann zu einer echten Freundschaft wiedergeboren, die beide über die Jahre hinweg trugen.

Der Regisseur wurde nicht müde zu wiederholen, dass er selbst und die Bilder von Mastroianni als Ganzes betrachtet werden sollten. Und so zeigte er, dass man sehr ungewöhnlich und interessant über sich selbst drehen kann, und einige andere Filmemacher haben diese Technik später übernommen.

Welche Filme von Federico Fellini unbedingt sehen müssen

1. Mamas Söhne

• Italien, Frankreich, 1953.
• Drama, Komödie.
• Dauer: 109 Minuten.
• IMDb: 7, 9.

Fünf junge Leute langweilen sich in einer Provinzstadt am Meer. Sie träumen davon, ihre Heimat zu verlassen, wo alles schmerzlich vertraut ist und wo ihre Verwandten leben.

Die Grundlage von "Mama's Sons" bildeten die Erinnerungen von Fellini selbst, obwohl es ihm nicht gefiel, wenn seine Filme als autobiografisch bezeichnet wurden. Trotzdem erzählt das Band genau von der Jugend des Regisseurs. Eine der Hauptfiguren wurde sogar vom Bruder von Federico Ricardo Fellini gespielt und trägt den gleichen Namen.

Dank des sehr persönlichen Tons von "Mama's Sons" kann man sie zusammen mit ihren früheren Frühwerken "Variety Show Lights" (1950) und "White Sheikh" (1952) als eine Art Trilogie bezeichnen. Aber in "Sons" fand Fellini seine kreative Originalität und brachte seine filmischen Fähigkeiten auf ein neues Niveau.

2. Straße

• Italien, 1954.
• Theater.
• Dauer: 108 Minuten.
• IMDb: 8, 0.

Der Zirkus-Star Zampano kauft den Dorftrottel Jelsomina als seine Assistentin aus. Gemeinsam reisen sie durch Italien, bis sie auf einen Wanderzirkus treffen.

"The Road" gilt nicht nur im italienischen, sondern auch im Weltkino als einer der Schlüsselfilme. In diesem Band hat sich Fellini bereits von den Kanonen des Neorealismus entfernt und der Handlung Fantasie und Poesie hinzugefügt.

Das Bild brachte Fellini seinen ersten "Oscar" und verherrlichte auch Juliet Mazina, die sofort den Spitznamen "Chaplin in a Rock" erhielt.

3. Nächte von Cabiria

• Italien, Frankreich, 1957.
• Drama, Melodram.
• Dauer: 118 Minuten.
• IMDb: 8, 1.

Eine Prostituierte namens Cabiria träumt davon, die wahre Liebe zu finden und eine arme Nachbarschaft zu verlassen. Aber das Mädchen wird getäuscht und für persönliche Interessen verwendet. Trotzdem bleibt sie freundlich zu den Menschen.

Federico Fellini hat das Drehbuch für den Film speziell für seine Frau geschrieben. Unnötig zu erwähnen, dass Mazina ihre Rolle hervorragend meisterte und ihr Lächeln unter Tränen im Finale zum Symbol des italienischen Kinos wurde.

4. Süßes Leben

• Frankreich, Italien, 1960.
• Satire, Tragikomödie.
• Dauer: 179 Minuten.
• IMDb: 8, 0.

Der zynische Journalist Marcello führt einen hedonistischen Lebensstil und verändert Frauen wie Handschuhe. Auch der Auftritt des amerikanischen Filmstars Sylvia macht auf den Helden keinen besonderen Eindruck. Seine Gefühle werden nur durch den schrecklichen Selbstmord eines Freundes verletzt, aber nicht lange.

Das Bild machte Marcello Mastroianni zu einem Star und beeinflusste auch die Populärkultur so sehr, dass selbst sein Name zu einem bekannten Namen wurde. Doch die geniale Idee wurde nicht sofort gewürdigt. "Sweet Life" wurde verboten, dem Regisseur wurden Blasphemie und angebliche Verfilmung von Pornografie vorgeworfen. Es ging so weit, dass Fellini ihm buchstäblich ins Gesicht spuckte.

5,8 und eine Hälfte

• Italien, 1963.
• Tragikomödie.
• Dauer: 138 Minuten.
• IMDb: 8, 0.

Regisseur Guido Anselmi steht kurz davor, einen neuen Film zu drehen und durchlebt gleichzeitig eine kreative Krise. Er geht in ein Resort, wo er alle möglichen Leute trifft. Doch je weiter, desto mehr zweifelt der Held daran, dass er überhaupt ein Bild schaffen wird.

Fellini komponierte "8 and a Half" aus eigener Erfahrung. Als es darum ging, ein Drehbuch zu schreiben, mangelte es ihm selbst an Ideen und wollte das Projekt sogar aufgeben. Doch dann kam ihm der Gedanke, einfach einen Film über sich selbst zu machen.

Auch den Namen „8einhalb“wählte Federico nicht zufällig. Es umfasst sechs abendfüllende Filme und zwei Kurzfilme, die Fellini zu diesem Zeitpunkt gedreht hat. Nun, der Regisseur betrachtete sein Debüt "Variety Show Lights" (1950), das in Zusammenarbeit mit Alberto Lattuada entstand, als eine Hälfte.

6. Julia und Parfüm

• Italien, Frankreich, 1965.
• Fantasie, Drama, Komödie.
• Dauer: 148 Minuten.
• IMDb: 7, 6.

Juliet beginnt, ihren Mann des Verrats zu verdächtigen. Doch von dem Moment an, als sie das Vertrauen in ihre Geliebte endgültig verliert, stürzt eine Schar von Geistern aus der anderen Welt in ihr Leben.

Mit seinem ersten Farbfilm wollte Fellini den Frauen das Recht auf freie Wahl zurückgeben. Aber ironischerweise hörte er überhaupt nicht auf seine Frau Juliet Mazina, die das Drehbuch während der Dreharbeiten ständig kritisierte, und das vergeblich. Anstatt sich auf die Erfahrung von Frauen zu konzentrieren, porträtierte Federico seine eigene Sicht auf sie auf der Leinwand. Aus diesem Grund wurde das Bild kühl begrüßt, woraufhin der Regisseur seiner Frau Recht gab.

Manchmal wird "Juliet" die weibliche Version von "8 und eine Hälfte" genannt. Dies ist teilweise wahr, denn Fellini selbst sprach mit Federico Fellini. Einen Film zu machen, der sein ganzes Leben lang denselben Film gedreht hat.

7. Satyrikon

• Italien, Frankreich, 1969.
• Fantasie, Drama, Geschichte.
• Dauer: 129 Minuten.
• IMDb: 6, 9.

Die Ereignisse im Römischen Reich entfalten sich während seines Niedergangs. Im Zentrum der Erzählung steht die Geschichte des jungen Mannes Encolpius. Der Held sucht seinen jungen Geliebten, der mit ihrem gemeinsamen Freund entkommen ist.

Nun gilt "Satyricon" als eines der besten Werke Fellinis, doch leider war der Film seiner Zeit weit voraus. Daher kritisierten Experten für alte Geschichte das Bild scharf, obwohl der Regisseur nicht behauptete, authentisch zu sein. Sein Ziel war vielmehr eine Parodie auf die gesellschaftspolitische Situation des ausgehenden 20. Jahrhunderts.

Auch das Publikum reagierte auf "Satyricon" kühl und fand es zu experimentell. Zu diesem Zeitpunkt begann Fellini langsam aber sicher sein Publikum zu verlieren, das ihn völlig verstand.

8. Rom

• Italien, Frankreich, 1972.
• Drama, Komödie.
• Dauer: 120 Minuten.
• IMDb: 7, 4.

Impressionistisch, in großen Strichen geschrieben, die Geschichte von Fellini selbst, der als junger Mann aus einer kleinen Stadt nach Rom zog. Wie in vielen anderen Filmen des Meisters steckt er voller autobiografischer Motive, ohne klare Handlung, die Handlung ist nicht linear und der Bewusstseinsstrom vermischt Vergangenheit und Gegenwart, Realität und Fiktion.

9. Amarcord

• Italien, Frankreich, 1973.
• Drama, Komödie.
• Dauer: 123 Minuten.
• IMDb: 7, 9.

Der Handlung zufolge stehen die 1930er Jahre und die faschistische Diktatur Mussolinis auf dem Hof. Die Hauptereignisse spielen sich um die Familie der jungen Titta und verschiedene andere seltsame Charaktere ab, die die kleine Küstenstadt bewohnen.

In Amarcord stellt sich Fellini seine Jugendjahre in Rimini neu vor. Aber er zieht es vor, seine Kindheitserinnerungen durch das Prisma der Erwachsenenerfahrung zu zeigen. So erwies sich der Film als sehr offen, und einige Episoden brachten die Zensoren so in Verlegenheit, dass die sowjetischen Zuschauer beispielsweise eine abgeschnittene Version sahen.

10. Stadt der Frauen

• Italien, Frankreich, 1980.
• Drama, Komödie.
• Dauer: 148 Minuten.
• IMDb: 7, 0.

Der respektable bürgerliche Snaporas steigt nach der Frau aus, die er mag. Er findet sich in einer erstaunlichen Kommune wieder, in der es keinen Platz für Männer gibt. Der Held versucht von dort zu fliehen, stürzt aber nur tiefer in den Abgrund von Chaos und Absurdität.

Dies ist einer von Fellinis späteren Filmen, surreal und handlungslos wie alle seine reifen Werke. Das Bild kann als Überdenken des Bandes "8 and a half" bezeichnet werden, in dem der Held Mastroianni die ungeteilte Macht über die in ihn verliebten Damen hatte. Aber in "City of Women" wird der Charakter im Gegenteil durch den Fluss des weiblichen Ausdrucks erdrückt.